La photo-sculpture d'Hannah Villiger

À la fin du XXe siècle, Hannah Villiger (1951-1997) était considérée comme une voix distinctive sur la scène artistique internationale. Même si elle préfère se définir comme sculpteur, elle développera dès le début des années 80 une pratique fondamentalement centrée sur son propre corps, où photographie et sculpture s'entremêlent. Pourtant, son décès prématuré, à l’âge de 46 ans, laisserait l’artiste en marge de l’Histoire. Le Centre Pompidou de Paris retrouve sa silhouette avec une exposition qui tombe à point nommé, ce qui contribue à mettre en valeur sa pertinence dans le domaine de l'art corporel à travers plus d'une centaine d'œuvres.

Un grand polyptyque (1980-81), composé de différentes impressions chromogéniques montrant diverses parties du corps de l'auteur, agrandies et assemblées sur fond blanc, fait découvrir l'œuvre de Villiger ; un univers ciselé à travers des compositions inattendues de fragments de corps et d'objets, devenus amorphes. C'est l'une des pièces qui propulseront l'artiste suisse vers une renommée internationale, réalisée au cours d'une longue période de convalescence, atteint de tuberculose. La rareté des ressources disponibles à l’hôpital a amené Villiger à tourner son regard vers l’intérieur, scrutant un corps qui lui était devenu étranger, à travers un appareil photo Polaroïd. Jour après jour, la photographe développera un nouveau langage et l'appareil photo deviendra l'outil qui déterminera toute sa production ; une sorte de prolongement du regard de l'artiste à travers lequel elle donnera forme à des architectures corporelles d'une étrangeté inédite. Coupés de la continuité de la chair, loin d'être localisés selon des normes standardisées, ils parviennent à déstabiliser l'orientation du spectateur. Dans les compositions de Villiger, « le corps n'était plus quelque chose de discret, mais une topographie de la conscience sensorielle, palpée par la vision », note Griselda Pollock dans le texte qui accompagne le catalogue raisonné de l'artiste, publié en 2001.

« La photographie est une sculpture », disait Villiger. « Je suis la sculpture », écrivait-il en 1983, dans un de ses carnets de travail. La distance entre le bras qui tient l'appareil photo et le point de mise au point sur le corps devient un espace sculptural pour l'artiste. Villiger a renoncé à la bordure blanche caractéristique des polaroïds, puis a rephotographié et agrandi les images. Montés sur de fines plaques d'aluminium, ils façonneront des grilles constituées d'un nombre variable de panneaux. Initialement, l'auteur appelait ses photographies (Travail), celles-ci révélaient généralement des parties de son visage. Plus tard, il les appellera (sculpturales), titre destiné à porter atteinte à la référentielle de la photographie. Les pieds, le torse et les organes génitaux commenceraient à prendre plus de place. À partir de là, Villiger commence à regrouper ses images grand format en blocs monumentaux où les différents points de vue et fragments forment une nouvelle unité. Villiger aurait donné forme à « un nouvel alphabet composé d'éléments corporels défamiliarisés », comme le décrit Pollock, où chaque fraction du corps apparaît nouvelle et vidée de sens pour être assemblée dans une structure non conventionnelle qui n'a rien à voir avec la représentation traditionnelle. de la forme féminine dans la sculpture occidentale classique.

Les premières œuvres de l'artiste étaient une série de sculptures réalisées avec des matériaux naturels qui reflétaient l'influence de l'art conceptuel. Au milieu des années 70, elle découvre la photographie, lorsqu'elle commence à utiliser ce médium pour documenter son travail et la nature qui l'entoure. A l'aide d'un appareil photo 35 millimètres, il réalisera plusieurs séries de photographies en noir et blanc. L'air, le feu, l'eau, les plumes et les feuillages, parfois sortis de leur contexte, composeront son nouveau langage visuel où le mouvement deviendra très important. « Tout est mouvement, cela trahit l'inquiétude et a un dynamisme qui, dans les meilleures œuvres, explose même au-delà du cadre du tableau », écrit à son sujet Claudia Spinelli. Parfois, cela sortira différents éléments de leur contexte. L'exposition comprend également une partie des cinquante carnets que l'artiste a réalisés entre 1970 et 1992, où ses dessins se mêlent à des éléments naturels, des coupures de presse et divers éléments qui reflètent son intérêt pour l'anatomie humaine.

Il existe une longue liste d’artistes dont le travail est centré sur leur propre personne. Parmi eux Urs Lüthi, Jürgen Klauke, Cindy Sherman, John Coplans, Elke Krystufek et Orlan. Villiger se distingue par son intérêt pour la plasticité réelle du corps, un corps qui est utilisé comme matériau avec lequel travaille un sculpteur et sur lequel reposent les paramètres qui régissent ses créations visuelles : « La plus grande distance entre la caméra et le une partie du corps est la longueur de mon bras étendu jusqu’à mes orteils », a écrit l’auteur. Sans trépied, Villiger déplacera minutieusement l'objectif sur son corps, remettant en question les règles de l'expérience perceptuelle. Comme le souligne Spinelli, « on pourrait dire que la seule image qui donne du plaisir à Hannah Villiger est une image de son corps libéré de toute attraction gravitationnelle, de toute référence biographique et des exigences de la société ». Ainsi, chaque fragment de votre peau portera la marque d'une expérience en quête d'acquisition d'une condition universelle.

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